ΜπαλέτοΜΠΑΛΕΤ
Το μπαλέτο βασίζεται σε κάποιο είδος πλοκής, δραματικό
έννοια, λιμπρέτο,
Το λιμπρέτο είναι η λογοτεχνική βάση ενός σπουδαίου φωνητικού (και όχι
μόνο) γραπτά, κοσμικής ή πνευματικής φύσης, για παράδειγμα,
όπερα, μπαλέτο, οπερέτα, ορατόριο, καντάτα, μιούζικαλ; σύντομος
περιεχόμενο της πλοκής του έργου.
αλλά υπάρχουν και μπαλέτα χωρίς πλοκή.
Τα κύρια είδη χορού στο μπαλέτο είναι ο κλασικός χορός
και χαρακτηριστικό χορό. Παίζει σημαντικό ρόλο εδώ
παντομίμα,
Η παντομίμα είναι ένα είδος σκηνικής τέχνης στην οποία η κύρια
μέσα δημιουργίας καλλιτεχνική εικόναείναι πλαστικό
ανθρώπινο σώμα, χωρίς να χρησιμοποιεί λέξεις. Με το οποίο
οι ηθοποιοί μεταφέρουν τα συναισθήματα των χαρακτήρων, τη «συνομιλία» τους μεταξύ τους, την ουσία
τι συμβαίνει. Στο σύγχρονο μπαλέτο χρησιμοποιούνται ευρέως
επίσης στοιχεία γυμναστικής και ακροβατικής.

Η ιστορία της προέλευσης του μπαλέτου.

ΙΣΤΟΡΙΑ ΤΗΣ ΠΡΟΕΛΕΥΣΗΣ ΤΟΥ ΜΠΑΛΕΤΟΥ.
Το μπαλέτο ξεκίνησε στην Ιταλία κατά την Αναγέννηση (XVI αιώνας)
στην αρχή ως ενωμένη με μια ενιαία δράση ή
σκετ χορού διάθεσης, επεισόδιο μέσα
μουσική παράσταση, όπερα. Δανείστηκε από
Ιταλία και Γαλλία, το μπαλέτο του δικαστηρίου ανθεί καθώς
ένα υπέροχο τελετουργικό θέαμα. Μουσική βάση
πρώτα μπαλέτα (The Queen's Comedy Ballet, 1581)
συνέθεσε δημοτικούς και δικαστικούς χορούς που αποτελούσαν μέρος
παλιά σουίτα. Στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα εμφανίστηκε
νέα θεατρικά είδη, όπως η κωμωδία-μπαλέτο,
όπερας-μπαλέτου, στην οποία δίνεται σημαντική θέση
μουσική μπαλέτου και γίνονται προσπάθειες να
δραματοποιώ. Αλλά με ανεξάρτητο τρόπο
Το μπαλέτο γίνεται σκηνική τέχνη μόνο σε
το δεύτερο μισό του 18ου αιώνα χάρη στις μεταρρυθμίσεις,
που πραγματοποιήθηκε από τον Γάλλο χορογράφο J. J.
Noverom. Βασισμένο στην αισθητική του γαλλικού x
παιδαγωγοί, δημιούργησε παραστάσεις στις οποίες
το περιεχόμενο αποκαλύπτεται δραματικά
εκφραστικές πλαστικές εικόνες, ενέκρινε την ενεργ
ο ρόλος της μουσικής ως «πρόγραμμα που καθορίζει τις κινήσεις και
οι ενέργειες του χορευτή».

Ρωσικό μπαλέτο

ΡΩΣΙΚΟ ΜΠΑΛΕΛΟ
Στη Ρωσία, η πρώτη παράσταση μπαλέτου πραγματοποιήθηκε στις 8
Φεβρουάριος 1673 στην αυλή του Τσάρου Αλεξέι
Ο Μιχαήλοβιτς σε ένα χωριό κοντά στη Μόσχα
Preobrazhenskoe. Εθνική ταυτότητα
Το ρωσικό μπαλέτο άρχισε να διαμορφώνεται
αρχές του 19ου αιώνα χάρη στις δραστηριότητες
Γάλλος χορογράφος Charles-Louis Didelot.
Ο Ντιντελότ ενισχύει τον ρόλο του σώματος του μπαλέτου, τη σύνδεση μεταξύ χορού και
παντομίμα, διεκδικεί την προτεραιότητα των γυναικών
χορός. Μια πραγματική επανάσταση στη μουσική του μπαλέτου
παραγωγή του Pyotr Ilyich Tchaikovsky, ο οποίος συνέβαλε στο
η συνεχής συμφωνική της ανάπτυξη,
βαθύ εικονιστικό περιεχόμενο, δραματικό
εκφραστικότητα. Η μουσική των μπαλέτων του "Swan"
Λίμνη», «Ωραία Κοιμωμένη», «Καρυοθραύστης»
που αποκτήθηκε, μαζί με τη συμφωνική ευκαιρία
αποκαλύπτουν την εσωτερική ροή της δράσης,
ενσαρκώνουν τους χαρακτήρες των χαρακτήρων τους
αλληλεπίδραση, ανάπτυξη, αγώνας. Αρχή ΧΧ
αιώνα σημαδεύτηκε από καινοτόμες αναζητήσεις,
η επιθυμία να ξεπεραστούν τα στερεότυπα,
συμβάσεις ακαδημαϊκού μπαλέτου του 19ου αιώνα.

Μοντέρνος χορός

ΣΥΓΧΡΟΝΟΣ ΧΟΡΟΣ
Ο σύγχρονος χορός είναι ένας από τους τομείς του σύγχρονου
ξένη χορογραφία, που ξεκίνησε στο τέλος. XIX -
αρχή ΧΧ αιώνες στις ΗΠΑ και τη Γερμανία. Ο όρος «μοντέρνος χορός»
εμφανίστηκε στις ΗΠΑ για να αναφερθεί στη σκηνική παράσταση
χορογραφία που απορρίπτει το παραδοσιακό μπαλέτο
μορφές. Έχοντας τεθεί σε χρήση, αντικατέστησε άλλους όρους
(ελεύθερος χορός, Duncanism, σανδάλι,
ρυθμικός χορός, εκφραστικός,
εξπρεσιονιστικός, απόλυτος, νέος
καλλιτεχνική) που προέκυψε στη διαδικασία ανάπτυξης
αυτή την κατεύθυνση. Κοινό στους χορευτικούς εκπροσώπους
σύγχρονα, σε όποιο κίνημα κι αν ανήκουν
ανήκαν και σε ποια περίοδο διακήρυξαν τους
αισθητικά προγράμματα, υπήρχε πρόθεση δημιουργίας
νέα χορογραφία, η οποία, κατά τη γνώμη τους, απάντησε
πνευματικές ανάγκες του ανθρώπου στον 20ό αιώνα. Το κύριο του
αρχές: απόρριψη κανόνων, εφαρμογή νέων θεμάτων και
ιστορίες με πρωτότυπο χορό και πλαστικό
μέσα. Σε μια προσπάθεια να επιτευχθεί πλήρης ανεξαρτησία από
παραδόσεις εκπρόσωποι του Τ.μ. επιτέλους ήρθε στο
υιοθεσία ατόμου τεχνικές, V
αντιπαράθεση με την οποία μια νέα
κατεύθυνση. Εγκατάσταση για πλήρη αναχώρηση από
Δεν μπορούσα να εξασκήσω παραδοσιακές φόρμες μπαλέτου
να πραγματοποιηθεί πλήρως.

Το μπαλέτο ως τέχνη

ΜΠΑΛΕΤΟ ΩΣ ΤΕΧΝΗ
Στην εξέλιξή του, το μπαλέτο πλησιάζει όλο και πιο κοντά στον αθλητισμό, χάνοντας
στην πορεία, η δραματική σημασία του ρόλου, μερικές φορές μπροστά από
τεχνολογία, αλλά υστερεί σε περιεχόμενο.
Στην ολοκληρωμένη εκπαίδευση ενός επαγγελματία καλλιτέχνη, είναι απαραίτητο
γνώση μουσικής κουλτούρας, ιστορίας, λογοτεχνίας και σεναρίου
δραματουργίας. Παράλληλα, από την ηλικία των επτά ετών υποβάλλονται τα παιδιά
γυμναστική, γιατί τα μπαλέτα του παρελθόντος,
επιζώντας μέχρι σήμερα, τεχνικά βελτιωμένο,
και μοντέρνο μπαλέτο σε κλασική βάση, για παράδειγμα μπαλέτο
Το Forsythe, απαιτεί σοβαρή σωματική προπόνηση, έτσι
την ξεκίνησε η μπαλαρίνα Sylvie Guillem δημιουργική διαδρομήακριβώς με
γυμναστική
Τα αρχαία μπαλέτα είχαν εξαιρετική αισθητική και μερικές φορές σκηνοθετούνταν
σε αρχαία θέματα, για παράδειγμα, η παραγωγή του Charles Didelot του «Zephyr and
Χλωρίδα".

Νέο κύμαο ρομαντισμός εμφανίστηκε στο μπαλέτο στην αρχή
ΧΧ αιώνα, ο κήρυξ του ήταν ο χορογράφος
Μιχαήλ Φόκιν
Στη Ρωσία, μέχρι τον 20ο αιώνα, διδάσκοντας χορογραφία,
μουσική, δράμα και διάφορα
επαγγέλματα εφαρμοσμένου θεάτρου διεξήχθησαν σε ένα
εκπαιδευτικό ίδρυμα - Αυτοκρατορικό Θέατρο
σχολείο. Ανάλογα με την επιτυχία των παιδιών καθορίζονταν ή
μεταφέρεται στο αρμόδιο τμήμα. Μετά
επανάσταση του 1917 τα σχολεία χωρίστηκαν και το μπαλέτο
η εκπαίδευση άρχισε να υπάρχει αυτόνομα. Συγχρόνως
μεικτές εποχές παρέμειναν σε πολλά θέατρα
ρεπερτόριο: δραματικές παραστάσεις
εναλλάσσονται με οπερέτα και μπαλέτο
διαφοροποιήσεις Για παράδειγμα, εκτός από τις παραγωγές
Ο Μπολσόι, ο Κασιάν Γκολεϊζόφσκι ανέβασε μπαλέτο
παραστάσεις στο The Bat και στο Mamontovsky Theatre
μινιατούρες», μεταξύ των οποίων ήταν και η παραγωγή «Λες
Tableaux vivants», που σημαίνει «η εικόνα ζωντανεύει», έτσι
πώς ο Γκολεϊζόφσκι, πρώτα απ' όλα, ήταν καλλιτέχνης.
Το φαινόμενο αυτό αναπτύσσεται στο σύγχρονο μπαλέτο, όπως
«εικόνα ζωντανεύει», «φωτογραφία ζωντανεύει» και «ζωντανεύει
γλυπτική"

ΧΟΡΙΟΓΡΑΦΙΚΟΙ ΟΡΟΙ

Όροι μπαλέτου.
Χορογραφική ορολογία - ένα σύστημα ειδικών ονομάτων,
προορίζεται να αναπαραστήσει ασκήσεις ή έννοιες που επεξηγούνται εν συντομία
ή δύσκολο να περιγραφεί.
Τον 17ο αιώνα, 1701, ο Γάλλος Raoul Feuillet δημιούργησε ένα σύστημα για την καταγραφή των στοιχείων της κλασικής
χορός. Αυτοί οι όροι αναγνωρίζονται από ειδικούς στον τομέα της παγκόσμιας χορογραφίας και
τωρινός χρόνος.
«Στάση στροφής των ποδιών», και αυτή είναι απαραίτητη και υποχρεωτική προϋπόθεση
τεχνικές απόδοσης στοιχείων κλασικού χορού.
"Μπαλόνι" - η ικανότητα να καθορίσετε μια στάση ενώ πηδάτε,
Η «δύναμη» είναι μια απαραίτητη προπαρασκευαστική κίνηση των χεριών για την εκτέλεση πιρουέτες,
"Aplomb" - μια σταθερή θέση του μαθητή,
"Elevation" είναι η ικανότητα του χορευτή να δείχνει τη μέγιστη φάση πτήσης σε ένα άλμα,
"Priporasion" - προπαρασκευαστικές ασκήσεις με το χέρι ή το πόδι πριν την έναρξη
εκτέλεση στοιχείου,
"Σταυρός" - εκτέλεση στοιχείων προς τις ακόλουθες κατευθύνσεις: προς τα εμπρός, προς τα πλάγια, προς τα πίσω,
στο πλάι ή στην αντίθετη κατεύθυνση.
Αυτή είναι η διεθνής γλώσσα του χορού, η ευκαιρία για επικοινωνία με χορογράφους, κατανόηση
ειδική λογοτεχνία. Η ορολογία κατασκευάζεται πάντα σύμφωνα με τους κανόνες
σχηματισμός λέξης.
Το κύριο πλεονέκτημα του όρου είναι η συντομία του.

«ΛΙΜΝΗ ΚΥΚΝΩΝ» Συνθέτης: Pyotr Ilyich TCHAIKOVSKY

"ΛΙΜΝΗ ΤΟΥ ΚΥΚΝΟΥ"
ΣΥΝΘΕΤΗΣ: PETER ILYICH TCHAIKOVSKY
Δεν μπορείς να αγνοήσεις το διάσημο αριστούργημα
Ρώσος συνθέτης σε τέσσερις πράξεις, ευχαριστώ
στην οποία ο γερμανικός θρύλος για την όμορφη
το κοριτσάκι των κύκνων απαθανατίζεται στα μάτια των γνώστων
τέχνη. Στην ιστορία, ένας πρίγκιπας ερωτευμένος
η βασίλισσα των κύκνων, την προδίδει, αλλά ακόμη
συνειδητοποιώντας το λάθος δεν σώζει ούτε αυτόν ούτε αυτόν
αγαπημένοι από τα μαινόμενα στοιχεία. Εικών
ο κεντρικός χαρακτήρας - Odette - φαίνεται να συμπληρώνει
δημιουργήθηκε γκαλερί γυναικείων συμβόλων
συνθέτης κατά τη διάρκεια της ζωής του. Είναι αξιοσημείωτο ότι
ο συγγραφέας της πλοκής του μπαλέτου παραμένει ακόμα
άγνωστο και ποτέ σε καμία αφίσα
καταγράφηκαν τα ονόματα των λιμπρετιστών. Για πρώτη φορά έγινε μπαλέτο
παρουσιάστηκε το 1877 στη σκηνή των Μπολσόι
θέατρο, αλλά η πρώτη επιλογή αναγνωρίστηκε
ανεπιτυχής.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky 7 Μαΐου 1840 - 6 Νοεμβρίου 1893

PETER ILYICH TCHAIKOVSKY7
ΜΑΪΟΣ 1840 -6 ΝΟΕΜΒΡΙΟΥ 1893
Ρώσος συνθέτης
Ρώσος συνθέτης, δάσκαλος, μαέστρος και
κριτικός μουσικής. Ως επαγγελματίας συνθέτης Τσαϊκόφσκι
ιδρύθηκε το 1860-1870,
χαρακτηρίζεται από μεγάλη άνοδο
κοινωνική και πολιτιστική ζωή
Ρωσική Αυτοκρατορία: πολύπλευρη
ανάπτυξη της ρωσικής μουσικής, λογοτεχνίας και
ζωγραφική, η άνθηση του οικιακού
φυσικές επιστήμες, φωτεινές κατακτήσεις σε
τομείς της φιλοσοφίας και της αισθητικής.

«Ο ΚΑΡΥΟΘΡΑΥΣΤΗΣ» Συνθέτης: Pyotr Ilyich Tchaikovsky

"ΚΑΡΥΟΘΡΑΥΣΤΗΣ"
ΣΥΝΘΕΤΗΣ: PETER ILYICH TCHAIKOVSKY
Ο «Καρυοθραύστης» παρουσιάστηκε για πρώτη φορά
κοινό το 1892 στη σκηνή του διάσημου
Θέατρο Μαριίνσκι. Η πλοκή του βασίζεται
βρίσκεται το παραμύθι του Χόφμαν «Ο Καρυοθραύστης και
βασιλιάς του ποντικιού». Ο αγώνας των γενεών
η αντιπαράθεση καλού και κακού,
σοφία πίσω από τη μάσκα -
βαθύ φιλοσοφικό νόημα του παραμυθιού
ντυμένοι με φωτεινές μουσικές εικόνες,
κατανοητό στους νεότερους θεατές. Δράση
γίνεται το χειμώνα, την παραμονή των Χριστουγέννων,
όταν όλες οι επιθυμίες μπορούν να πραγματοποιηθούν - και
δίνει επιπλέον γοητεία
μαγική ιστορία. Σε αυτό το παραμύθι
όλα είναι πιθανά: οι αγαπημένες σας επιθυμίες θα γίνουν
πραγματικότητα, οι μάσκες της υποκρισίας θα πέσουν, και
σίγουρα θα υπάρξει αδικία
νικημένος.

Διαφάνεια 1

Η Τέχνη της Τερψιχόρης

Διαφάνεια 2

Το μπαλέτο είναι μουσικό είδος
Το μπαλέτο (από το ιταλικό «ballo» I dance) είναι μια συγκεκριμένη ακαδημαϊκή μορφή χορευτικής τεχνικής και μουσικής. Συνήθως περιλαμβάνει χορό, παντομίμα, δράση και μουσική (συνήθως ορχηστρικό, αλλά μερικές φορές φωνητικό Το μπαλέτο βασίζεται σε κάποιο είδος πλοκής, δραματική έννοια, λιμπρέτο, αλλά υπάρχουν και μπαλέτα χωρίς πλοκή). Τα κύρια είδη χορού στο μπαλέτο είναι ο κλασικός χορός και ο χορός χαρακτήρων. Σημαντικό ρόλο παίζει η παντομίμα, με τη βοήθεια της οποίας οι ηθοποιοί μεταφέρουν τα συναισθήματα των χαρακτήρων, τη «συνομιλία» τους μεταξύ τους και την ουσία αυτού που συμβαίνει. Το σύγχρονο μπαλέτο χρησιμοποιεί επίσης ευρέως στοιχεία γυμναστικής και ακροβατικής.

Διαφάνεια 3

Τεχνική μπαλέτου
Το μπαλέτο είναι η πιο διάσημη χορευτική δραστηριότητα λόγω των μοναδικών χαρακτηριστικών και τεχνικών του: πόιντ, στροφές στα πόδια, μεγάλες διατάσεις, χαριτωμένα, ομαλές, ακριβείς κινήσεις και ευάεροτητα.

Διαφάνεια 4

Η προέλευση του μπαλέτου
Ο χορός περνάει από την ιστορία. Παραδόσεις χορευτικής ιστορίας αναπτύχθηκαν στην Κίνα, την Ινδία, την Ινδονησία και την Αρχαία Ελλάδα. Ο θεατρικός χορός ήταν γνωστός στον ευρύτερο χώρο του αρχαίου ελληνικού θεάτρου. Όταν η Ρωμαϊκή Αυτοκρατορία κατέκτησε την Ελλάδα, υιοθέτησαν τον ελληνικό χορό και το θέατρο με τη δική τους τέχνη και πολιτισμό. Ο χορός παρέμεινε σημαντικός μέχρι τον Μεσαίωνα, παρά την καταστολή από την Εκκλησία. Η τέχνη του μπαλέτου εμφανίστηκε μόλις στα τέλη του 1400.

Διαφάνεια 5

Πού γεννήθηκε το κλασικό μπαλέτο;
Το κύριο δικαστήριο τον 17ο αιώνα ήταν το μπαλέτο. Αναπτύχθηκε στην Ιταλία και τη Γαλλία. Αυτές οι δύο χώρες έχουν κάνει πολλά για τη χορογραφία, ειδικά η Γαλλία. Για πρώτη φορά στη Γαλλία, άρχισαν να γίνονται παραστάσεις χορού και οι χορευτές στέκονταν στα πόδια, έκαναν άλματα, περιστροφές και γρήγορες παύσεις. Το μπαλέτο ήταν δημοφιλές στην αυλή και ακόμη και ο βασιλιάς Λουδοβίκος XIV χόρεψε τα κύρια μέρη του μπαλέτου και ήταν κεντρική φιγούρα στον χορό.

Διαφάνεια 6

Ποιος συνθέτει το μπαλέτο
Συνθέτης - μουσική. Λιμπρετίστας - περιεχόμενο. Χορογράφος - χορογραφία.

Διαφάνεια 7

Η σύνδεση μπαλέτου με άλλες τέχνες
Η μουσική συντίθεται από τον συνθέτη και οι χορευτές ερμηνεύουν τα μέρη τους στη μουσική Λογοτεχνία - ο λιμπρετίστας γράφει το περιεχόμενο της παράστασης ή μια παράσταση μπαλέτου ανεβάζεται βασισμένη σε διάσημα έργα συγγραφέων, για παράδειγμα: «Ρωμαίος και Ιουλιέτα» του Σαίξπηρ, του Χόφμαν "The Nutcracker", Charles Perrault's "Sleeping Beauty", "Cinderella" Χορογράφος χορογραφίες αριθμοί χορού Το μπαλέτο είναι μια συνθετική μορφή τέχνης

Διαφάνεια 8

Ποιος παίζει το μπαλέτο;
Οι μπαλαρίνες είναι σολίστ. Οι χορευτές είναι σολίστ. Σώμα μπαλέτου. Αγωγός. Συμφωνική ορχήστρα.

Διαφάνεια 9

Όροι μπαλέτου
Παραλλαγές - σόλο χορός του ήρωα. Το Pas-de-deux είναι ένας χορός δύο ηρώων. Pas-de-trois – χορός τριών ηρώων. Το corps de ballet είναι ένας μεγάλος ομαδικός χορός. Χαρακτηριστικός χορός - που χαρακτηρίζεται από παντομίμα και ασυνήθιστη χορογραφία. Batman – σήκωσε το πόδι 90 μοίρες. Grand Batman - σηκώνοντας το πόδι 180 μοίρες. Fouette - περιστροφή στη θέση του στο ένα πόδι. Plie είναι ένα squat στα πόδια αποδείχθηκε.

Διαφάνεια 10

Πα-ντε-ντε (pas de deux)

Διαφάνεια 11

Παραλλαγές

Διαφάνεια 12

Σώμα μπαλέτου

Διαφάνεια 13

Μπάτμαν και Γκραντ Μπάτμαν

Διαφάνεια 14

Χορός χαρακτήρων και παντομίμα

Διαφάνεια 15

Batman, plie.

Διαφάνεια 16

Διαφάνεια 17

Τούτου μπαλέτου
Το tutu είναι μια άκαμπτη φούστα που χρησιμοποιείται στο μπαλέτο για χορευτές. Το πρώτο tutu κατασκευάστηκε το 1839 για τη Maria Taglioni βασισμένο σε ένα σχέδιο του καλλιτέχνη Eugene Lamy. Το στυλ και το σχήμα του tutu άλλαξε με την πάροδο του χρόνου. Στα τέλη του 19ου αιώνα, το tutu της Anna Pavlova ήταν πολύ διαφορετικό από το σύγχρονο, ήταν πιο μακρύ και λεπτό. Στις αρχές του 20ου αιώνα, η μόδα ήρθε για τα tutus διακοσμημένα με φτερά και πολύτιμους λίθους. Κατά τη σοβιετική εποχή, το tutu έγινε κοντό και φαρδύ.

Διαφάνεια 18

Tutu – ειδικά ρούχα για μπαλέτο

Διαφάνεια 19

Διαφάνεια 20

Παπούτσια πουέντ
Η λέξη pointe προέρχεται από το γαλλικό "tip". Οι Γαλλίδες μπαλαρίνες μπορούσαν να καυχηθούν ότι ήξεραν πώς να στέκονται στα δάχτυλά τους και να εκτελούν σύνθετα στοιχεία. Για να διευκολυνθεί ένας τέτοιος χορός, άρχισαν να χρησιμοποιούνται παπούτσια πουέντ, που ασφαλίζουν το πόδι και επέτρεπαν στην μπαλαρίνα να διατηρήσει την ισορροπία. Τα σύγχρονα παπούτσια πουέντ είναι κατασκευασμένα από σατέν υλικό, τα παπούτσια πουέντ παραγγέλνονται από έναν κύριο για μια συγκεκριμένη μπαλαρίνα. Αυτό είναι απαραίτητο για να στερεώνουν με ασφάλεια το πόδι. Στη μύτη του παπουτσιού μπαλέτου, τοποθετείται συμπιεσμένο υλικό και κορδέλες τέμνουν το πόδι στον αστράγαλο. Ο χορός στα παπούτσια πουέντ διακρίνεται για την ιδιαίτερη χάρη και δεξιοτεχνία απόδοσης.

Διαφάνεια 21

Τα παπούτσια Pointe είναι ειδικά παπούτσια για μπαλαρίνες που σας επιτρέπουν να στέκεστε στις μύτες των ποδιών σας.

Διαφάνεια 22

Μέσα από αγκάθια στα αστέρια
Το μπαλέτο είναι μια όμορφη και πολύπλοκη μορφή τέχνης που απαιτεί τεράστια τιτάνια και σκληρή δουλειά. Οι άνθρωποι αρχίζουν να σπουδάζουν μπαλέτο από την παιδική ηλικία. Οι καθημερινές πρόβες και οι ασκήσεις διατάσεων απαιτούν πολύ χρόνο. Όσοι καταδικάζονται σε τέτοιο έργο αφιερώνουν όλη τους τη ζωή σε αυτό το έργο.

Διαφάνεια 23

Παγκοσμίου φήμης αστέρια. Άννα Πάβλοβα

Διαφάνεια 24

Μπαλέτο
Συμπλήρωσε: Irina Didenko, μαθήτρια 8ης τάξης Β, Δημοτικό Εκπαιδευτικό Ίδρυμα Γυμνάσιο Νο 23

Τι είναι το μπαλέτο;
Το μπαλέτο είναι ένα είδος παραστατικής τέχνης. μια παράσταση που το περιεχόμενο της ενσωματώνεται σε μουσικές και χορογραφικές εικόνες. Μια κλασική παράσταση μπαλέτου βασίζεται σε μια συγκεκριμένη πλοκή.

Το μπαλέτο ξεκίνησε στην Ιταλία του 15ου αιώνα κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης. Τα κυριότερα είδη χορού στο μπαλέτο είναι ο κλασικός χορός και ο χορός χαρακτήρων, ο οποίος, ξεκινώντας από τον 19ο αιώνα, περιλαμβάνει λαϊκούς και εθνικούς χορούς, επανασχεδιασμένους για απόδοση σε παράσταση μπαλέτου. Σημαντικό ρόλο παίζει η παντομίμα, με τη βοήθεια της οποίας οι ηθοποιοί μεταφέρουν τα συναισθήματα των χαρακτήρων, τη «συνομιλία» τους μεταξύ τους, την ουσία αυτού που συμβαίνει, και σε πολλές παραστάσεις, επίσης το γκροτέσκο.
Πότε ξεκίνησε το μπαλέτο;

Στη Ρωσία, η πρώτη παράσταση μπαλέτου πραγματοποιήθηκε στις 8 Φεβρουαρίου 1673 στην αυλή του Τσάρου Αλεξέι Μιχαήλοβιτς στο χωριό Preobrazhenskoye κοντά στη Μόσχα. Μια πραγματική επανάσταση στη μουσική του μπαλέτου έγινε από τον Pyotr Ilyich Tchaikovsky, ο οποίος εισήγαγε τη συνεχή συμφωνική ανάπτυξη, το βαθύ εικονιστικό περιεχόμενο και τη δραματική εκφραστικότητα. Η μουσική των μπαλέτων του "Swan Lake", "Sleeping Beauty", "The Nutcracker" απέκτησε, μαζί με τη συμφωνική μουσική, την ικανότητα να αποκαλύπτει την εσωτερική ροή της δράσης, να ενσωματώνει τους χαρακτήρες των χαρακτήρων στην αλληλεπίδραση, την ανάπτυξή τους, και αγώνα.
Ρωσικό μπαλέτο

Ο σύγχρονος χορός είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη του χορού που εμφανίστηκε στις αρχές του 20ου αιώνα ως αποτέλεσμα της απομάκρυνσης από τους αυστηρούς κανόνες του μπαλέτου υπέρ της δημιουργικής ελευθερίας των ερμηνευτών και των χορογράφων. Προάγγελός του ήταν ο ελεύθερος χορός, ο οποίος απέρριπτε την τεχνική του μπαλέτου, τις πρόβες κίνησης και την ίδια την αισθητική της τεχνητής «ομορφιάς μπαλέτου». Πρόγονος του ελεύθερου χορού, που λειτούργησε ως πηγή διαφόρων τάσεων στον σύγχρονο χορό και τις πλαστικές τέχνες και έδωσε ώθηση στη μεταρρύθμιση του ίδιου του κλασικού χορού, θεωρείται η χορεύτρια Isadora Duncan.
Μοντέρνος χορός

Στην εξέλιξή του, το μπαλέτο πλησιάζει όλο και περισσότερο στον αθλητισμό, χάνοντας στην πορεία τη δραματική σημασία του ρόλου, μερικές φορές προηγείται σε τεχνική, αλλά υστερεί σε περιεχόμενο. Η ολοκληρωμένη εκπαίδευση ενός επαγγελματία καλλιτέχνη απαιτεί γνώση της μουσικής κουλτούρας, της ιστορίας, της λογοτεχνίας και του σεναρίου. Ταυτόχρονα, από την ηλικία των επτά ετών, τα παιδιά υποβάλλονται σε γυμναστική, επειδή τα μπαλέτα του παρελθόντος, που έχουν επιβιώσει μέχρι σήμερα, έχουν βελτιωθεί τεχνικά και το σύγχρονο μπαλέτο σε κλασική βάση, για παράδειγμα, το μπαλέτο Forsythe, απαιτεί σοβαρή σωματική εκπαίδευση, έτσι η μπαλαρίνα Sylvie Guillem ξεκίνησε τη δημιουργική της καριέρα ακριβώς από τη γυμναστική. Τα αρχαία μπαλέτα είχαν μια εξαιρετική αισθητική, μερικές φορές βασισμένα σε αρχαία θέματα, για παράδειγμα, η παραγωγή του Charles Didelot του Zephyr και της Flora. Ένα νέο κύμα ρομαντισμού εμφανίστηκε στο μπαλέτο στις αρχές του 20ου αιώνα, ο προάγγελός του ήταν ο χορογράφος Mikhail Fokin.
Το μπαλέτο ως τέχνη

Ιστορία του ρωσικού μπαλέτου.

Το μπαλέτο (γαλλικό μπαλέτο, από το λατινικό Ballo - χορεύω) είναι ένα είδος σκηνικής τέχνης, τα κύρια μέσα έκφρασης του οποίου είναι άρρηκτα συνδεδεμένα η μουσική και ο χορός. Ο χορός είναι η έκφραση σκέψεων και συναισθημάτων μέσα από συμβατικές κινήσεις – χειρονομίες και στάσεις. Εκτελείται στη μουσική από την οποία αντλεί το περιεχόμενό του. Τις περισσότερες φορές, ένα μπαλέτο βασίζεται σε κάποιο είδος πλοκής, δραματική έννοια, λιμπρέτο, αλλά υπάρχουν και μπαλέτα χωρίς πλοκή.
Ιστορία του ρωσικού μπαλέτου.

Τα κύρια είδη χορού στο μπαλέτο είναι:
Ο κλασικός χορός είναι ένα σύστημα εκφραστικών μέσων χορογραφικής τέχνης, που βασίζεται στην προσεκτική ανάπτυξη διαφόρων ομάδων κινήσεων και θέσεων των ποδιών, των χεριών, του σώματος και του κεφαλιού.
Ο χορός χαρακτήρα είναι ένας χορός όπου οι λαϊκοί χοροί συνδυάζονται με στοιχεία κλασικού χορού. Αλλά ταυτόχρονα διατηρούν τον εθνικό τους χαρακτήρα.

Η παντομίμα (από το ελληνικό παντόμῑμος) είναι ένας τύπος σκηνικής παράστασης που έχει σχεδιαστεί για να μεταφέρει μια πλοκή ή ιστορία (αρχικά - κυρίως κωμικού χαρακτήρα) με τη βοήθεια εκφράσεων του προσώπου και χειρονομιών, χωρίς τη χρήση λέξεων.
Παίζει σημαντικό ρόλο στο μπαλέτο με τη βοήθειά του, οι ηθοποιοί μεταφέρουν τα συναισθήματα των χαρακτήρων, τη «συνομιλία» τους μεταξύ τους, την ουσία αυτού που συμβαίνει.
Παντομίμα.
Έντγκαρ Ντεγκά. Πρόβα τζενεράλε του μπαλέτου

Το μπαλέτο ξεκίνησε στην Ιταλία κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης (16ος αιώνας), αρχικά ως μια χορευτική σκηνή που ενωνόταν από μια ενιαία δράση ή διάθεση, ένα επεισόδιο σε μια μουσική παράσταση ή όπερα. Δανεισμένο από την Ιταλία, το δικαστικό μπαλέτο άνθισε στη Γαλλία ως ένα υπέροχο τελετουργικό θέαμα. Η μουσική βάση των πρώτων μπαλέτων (The Queen's Comedy Ballet, 1581) ήταν λαϊκοί και αυλικοί χοροί που αποτελούσαν μέρος της αρχαίας σουίτας. Στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα εμφανίστηκαν νέα θεατρικά είδη, όπως η κωμωδία-μπαλέτο, η όπερα-μπαλέτο, στα οποία δόθηκε σημαντική θέση στη μουσική μπαλέτου και έγιναν προσπάθειες δραματοποίησής της. Αλλά το μπαλέτο έγινε ανεξάρτητη μορφή σκηνικής τέχνης μόνο στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα χάρη στις μεταρρυθμίσεις που πραγματοποίησε ο Γάλλος χορογράφος J. J. Nover Βασισμένος στην αισθητική των Γάλλων διαφωτιστών, δημιούργησε παραστάσεις στις οποίες αποκαλύπτεται το περιεχόμενο δραματικά εκφραστικές πλαστικές εικόνες και καθιέρωσαν τον ενεργό ρόλο της μουσικής ως «ένα πρόγραμμα που καθορίζει τις κινήσεις και τις ενέργειες του χορευτή».
Η γέννηση του μπαλέτου.
J.J.Nover

Η περαιτέρω ανάπτυξη και άνθηση του μπαλέτου σημειώθηκε στην εποχή του ρομαντισμού Πίσω στη δεκαετία του '30 του 18ου αιώνα. Η Γαλλίδα μπαλαρίνα Camargo μίκρυνε τη φούστα της (tutu) και εγκατέλειψε τα τακούνια της, κάτι που της επέτρεψε να εισάγει κλωτσιές στο χορό της (χτυπώντας το ένα πόδι στο άλλο στον αέρα. Κατά τη διάρκεια της κλωτσιάς, τα πόδια είναι σταυρωμένα στην 5η θέση). του 18ου αιώνα. η στολή μπαλέτου γίνεται πολύ πιο ελαφριά και ελεύθερη, γεγονός που συμβάλλει σε μεγάλο βαθμό στην ταχεία ανάπτυξη της τεχνικής του χορού. Προσπαθώντας να κάνουν τον χορό τους πιο αέρινο, οι ερμηνευτές προσπάθησαν να σταθούν στις μύτες των ποδιών τους, κάτι που οδήγησε στην εφεύρεση των παπουτσιών πουέντ. Στο μέλλον, η τεχνική των δακτύλων του γυναικείου χορού αναπτύσσεται ενεργά. Η πρώτη που χρησιμοποίησε τον χορό πουέντ ως μέσο έκφρασης ήταν η Μαρία Ταγλιόνι. Η δραματοποίηση του μπαλέτου απαιτούσε την ανάπτυξη της μουσικής μπαλέτου. Ο Μπετόβεν, στο μπαλέτο του «Τα έργα του Προμηθέα» (1801), έκανε την πρώτη προσπάθεια να συντονίσει ένα μπαλέτο. Η ρομαντική σκηνοθεσία καθιερώθηκε στα μπαλέτα του Adam Giselle (1841) και Corsair (1856). Τα μπαλέτα του Delibes Coppelia (1870) και Sylvia (1876) θεωρούνται τα πρώτα συμφωνημένα μπαλέτα. Ταυτόχρονα, προέκυψε μια απλοποιημένη προσέγγιση της μουσικής μπαλέτου (στα μπαλέτα των C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo κ.λπ.), ως μελωδική μουσική, καθαρή στο ρυθμό, που χρησιμεύει μόνο ως συνοδεία χορού.
Περαιτέρω ανάπτυξη του μπαλέτου.

Μαρία Άννα Καμάργκο
Πραγματικό όνομα: Cupis de Camargo, Γάλλος. Marie-Anne de Camargo, 1710 - 1770 - Γαλλίδα χορεύτρια. Γνωστός ως αναμορφωτής του χορού μπαλέτου. Η πρώτη από τις γυναίκες άρχισε να εκτελεί cabrioles και entrechat, τα οποία θεωρούνταν μέρος μιας αποκλειστικά ανδρικής τεχνικής χορού. Μίκρυνε τις φούστες της για να μπορεί να κινείται πιο ελεύθερα Μέχρι το 1751 γνώρισε τεράστια επιτυχία στην Όπερα του Παρισιού. Έπαιξε και ως τραγουδίστρια. Η χάρη του Καμάργκο χαροποίησε πολλούς διάσημους ανθρώπους εκείνης της εποχής, συμπεριλαμβανομένου του Βολταίρου.
Μαρία Άννα Καμάργκο.

Το tutu είναι μια άκαμπτη φούστα που χρησιμοποιείται στο μπαλέτο για χορευτές. Το πρώτο tutu κατασκευάστηκε το 1839 για τη Maria Taglioni βασισμένο σε ένα σχέδιο του καλλιτέχνη Eugene Lamy. Το στυλ και το σχήμα του tutu άλλαξε με την πάροδο του χρόνου. Στα τέλη του 19ου αιώνα, το tutu της Anna Pavlova ήταν πολύ διαφορετικό από το σύγχρονο, ήταν πιο μακρύ και λεπτό. Στις αρχές του 20ου αιώνα, η μόδα ήρθε για τα tutus διακοσμημένα με φτερά και πολύτιμους λίθους. Κατά τη σοβιετική εποχή, το tutu έγινε κοντό και φαρδύ.
Στολή μπαλέτου.
Πακέτο.

Παπούτσια πουέντ (από το γαλλικό pointe - point), μερικές φορές: μανταλάκια - παπούτσια που χρησιμοποιούνται κατά την εκτέλεση γυναικείου κλασικού χορού. Τα παπούτσια πουέντ έχουν σκληρή μύτη, είναι κατασκευασμένα από ροζ σατέν και στερεώνονται με κορδέλες στο πόδι του χορευτή. Ο σχεδιασμός των παπουτσιών pointe βοηθά τον χορευτή να επιτύχει σταθερότητα στο πόδι στήριξης σε κλασικές πόζες χορού. Μια μπαλαρίνα, πριν χορέψει με παπούτσια (κράνη, πουέντ), πρέπει να ζεστάνει τα πόδια της και τα ίδια τα παπούτσια. Διαφορετικά, στη χειρότερη περίπτωση, η χορεύτρια μπορεί να σπάσει ακόμη και τα πόδια της.
Στολή μπαλέτου.
Παπούτσια πουέντ.

Κανόνες μπαλέτου.
Ο χορός άρχισε να μετατρέπεται σε μπαλέτο όταν άρχισε να παίζεται σύμφωνα με ορισμένους κανόνες. Διατυπώθηκαν για πρώτη φορά από τον χορογράφο Pierre Beauchamp (1637–1705), ο οποίος συνεργάστηκε με τον Lully και ήταν επικεφαλής της Γαλλικής Ακαδημίας Χορού (η μελλοντική Όπερα του Παρισιού) το 1661. Έγραψε τους κανόνες ενός ευγενούς στυλ χορού, που βασιζόταν στην αρχή της εκτροπής των ποδιών (en dehors). Αυτή η θέση έδωσε στο ανθρώπινο σώμα την ευκαιρία να κινηθεί ελεύθερα προς διαφορετικές κατευθύνσεις. Χώρισε όλες τις κινήσεις του χορευτή σε ομάδες: squats (plie), άλματα (slides, entrechat, cabriole, jeté, την ικανότητα να κρεμιέται σε άλμα - ανύψωση), περιστροφές (πιρουέτες, fouettes), θέσεις σώματος (στάσεις, αραβουργήματα). Η εκτέλεση αυτών των κινήσεων έγινε με βάση πέντε θέσεις των ποδιών και τρεις θέσεις των χεριών (port de bras). Όλα τα βήματα του κλασικού χορού προέρχονται από αυτές τις θέσεις των ποδιών και των χεριών. Έτσι ξεκίνησε η διαμόρφωση του μπαλέτου, που αναπτύχθηκε μέχρι τον 18ο αιώνα. από ιντερμέδια και εκτροπές σε ανεξάρτητη τέχνη.

Το μπαλέτο στην Αναγέννηση, το μπαρόκ και τον κλασικισμό.
Η διαδικασία της θεατροποίησης του χορού έλαβε χώρα ιδιαίτερα εντατικά στην Ιταλία, όπου ήδη από τον 14ο–15ο αι. Εμφανίστηκαν οι πρώτοι χορευτές και με βάση τον λαϊκό χορό διαμορφώθηκε η αίθουσα χορού και ο χορός. Στην Ισπανία, η αφηγηματική χορευτική σκηνή ονομαζόταν θαλάσσιος χορός (μαυριτανικός χορός), στην Αγγλία - μάσκα. Στα μέσα του 16ου – αρχές του 17ου αιώνα. Προέκυψε ένας εικονιστικός, παραστατικός χορός, οργανωμένος ανάλογα με τον τύπο σύνθεσης των γεωμετρικών μορφών (ballo-figurato). Το περίφημο Μπαλέτο Τουρκάλων Γυναικών παίχτηκε το 1615 στην αυλή των Δούκων των Μεδίκων στη Φλωρεντία. Στον εικαστικό χορό συμμετέχουν μυθολογικοί και αλληγορικοί χαρακτήρες. Από τις αρχές του 16ου αι. Είναι γνωστά ιππικά μπαλέτα, στα οποία οι ιππείς έτρεχαν με άλογα με μουσική, τραγούδι και απαγγελία (Τουρνουά των Ανέμων, 1608, Μάχη της Ομορφιάς, 1616, Φλωρεντία). Οι απαρχές του ιππικού μπαλέτου οδηγούν στα ιπποτικά τουρνουά του Μεσαίωνα. Η διαδικασία της θεατροποίησης του χορού έγινε ιδιαίτερα εντατικά στην Ιταλία.

Το Μπαλέτο στην Εποχή του Διαφωτισμού.
Η Εποχή του Διαφωτισμού είναι ένα από τα ορόσημα στην ανάπτυξη του μπαλέτου. Οι διαφωτιστές έκαναν έκκληση για απόρριψη των συμβάσεων του κλασικισμού, για εκδημοκρατισμό και μεταρρύθμιση. Weaver (1673–1760) και D. Rich (1691–1761) στο Λονδίνο, F. Hilferding (1710–1768) και το θέατρο μπαλέτου. Ο G. G. Angiolini (1731–1803) στη Βιέννη, μαζί με τον συνθέτη και μεταρρυθμιστή της όπερας V. K. Gluck, προσπάθησαν να μετατρέψουν το μπαλέτο σε παράσταση πλοκής παρόμοια με δραματική. Αυτό το κίνημα εκφράστηκε πλήρως στη μεταρρύθμιση του μαθητή του L. Dupre, Jean Georges Nover. Εισήγαγε την έννοια του pas d'action (αποτελεσματικό μπαλέτο ο Nover παρομοίασε το μπαλέτο με το κλασσικό δράμα και προώθησε μια νέα στάση απέναντί ​​του ως ανεξάρτητη παράσταση). μεγάλη αξίαπαντομίμα, φτωχοποίησε το λεξιλόγιο του χορού. Ωστόσο, το πλεονέκτημά του ήταν η ανάπτυξη μορφών χορού σόλο και συνολικού χορού, η εισαγωγή της μορφής μπαλέτου πολλαπλών πράξεων, ο διαχωρισμός του μπαλέτου από την όπερα, η διαφοροποίηση του μπαλέτου σε υψηλά και χαμηλά είδη - κωμικό και τραγικό. Περιέγραψε τις καινοτόμες ιδέες του στο Letters on Dance and Ballet (1760). Τα πιο διάσημα είναι τα μπαλέτα του Noverre με μυθολογικά θέματα: Admetus and Alceste, Rinaldo and Armida, Psyche and Cupid, The Death of Hercules - όλα σε μουσική του J. J. Rodolphe. Μήδεια και Ιάσονας, 1780, Κινέζικο μπαλέτο, 1778, Ιφιγένεια στην Αυλίδα - όλα στη μουσική του Ε. Μίλερ, 1793. Η κληρονομιά του Νοβέρ περιλαμβάνει 80 μπαλέτα, 24 μπαλέτα όπερας, 11 διασκευές. Κάτω από αυτόν ολοκληρώθηκε η διαμόρφωση του μπαλέτου ως ανεξάρτητου είδους θεατρικής τέχνης.

Στη δεκαετία του 1920-1930, η Γαλλία έγινε το κέντρο της ευρωπαϊκής τέχνης μπαλέτου, όπου μέχρι το 1929 εργάστηκαν ο θίασος του Ρωσικού Μπαλέτου του Ντιάγκιλεφ και οι ομάδες που μεγάλωσαν στη βάση του Το 1930-1959, με ένα διάλειμμα για τον πόλεμο του 1944-1947. Επικεφαλής του θιάσου της Όπερας του Παρισιού ήταν ο Serge Lifar, ο οποίος ανέβασε 50 μπαλέτα σε στυλ νεοκλασικισμού, εκσυγχρονίζοντας τον κλασικό χορό και συνδυάζοντάς τον με στοιχεία ελεύθερου, λαϊκού και καθημερινού χορού. Οι πιο διάσημες μπαλαρίνες εκείνης της εποχής: ο Claude Bessy (γ. 1932), μαθητής της Lifar, που ξεκίνησε την καριέρα της με τον Balanchine, το 1972 είχε μια τεράστια επιτυχία στο Bolero του M. Bejart, από την ίδια χρονιά - διευθυντής του μπαλέτου. σχολείο στην όπερα, καθώς και η λυρική χορεύτρια Yvette Chauvire (γενν. 1917), διάσημη για την ερμηνεία της στο ρόλο της Ζιζέλ. Το 1945-1951, ο Roland Petit ίδρυσε το Ballet des Champs-Élysées και το 1949-1967 το Μπαλέτο του Παρισιού. Αναμεταξύ καλύτερα έργα: Youth and Death of J. S. Bach, 1946, Carmen J. Bizet, 1949, Notre Dame Cathedral, 1965
Γαλλία.

Μπαλέτο στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. (ακαδημαϊκισμός, ιμπρεσιονισμός, μοντερνισμός).
Όταν ο ρεαλισμός ήρθε σε άλλες μορφές τέχνης, το ευρωπαϊκό μπαλέτο βρέθηκε σε κατάσταση κρίσης και παρακμής. Έχασε το περιεχόμενο και την ακεραιότητά του και αντικαταστάθηκε από το extravaganza (Ιταλία), music hall (Αγγλία). Στη Γαλλία, πέρασε στη φάση της διατήρησης αποδεδειγμένων σχημάτων και τεχνικών. Μόνο στη Ρωσία το μπαλέτο διατήρησε τον χαρακτήρα της δημιουργικότητας, όπου αναπτύχθηκε η αισθητική του μεγάλου μπαλέτου και του ακαδημαϊκού μπαλέτου - μια μνημειώδης παράσταση με περίπλοκες συνθέσεις χορού και δεξιοτεχνικά σύνολα και σόλο μέρη. Δημιουργός της αισθητικής του ακαδημαϊκού μπαλέτου είναι ο Marius Petipa, Γάλλος χορευτής που ήρθε στη Ρωσία το 1847. Τα μπαλέτα Sleeping Beauty (1890), The Nutcracker (1892), Swan Lake (1898), που δημιούργησε ο ίδιος σε συνεργασία με τον L.Ivanov (1834–1901) και τους συνθέτες P.I Tchaikovsky, A.K. έγινε η κορυφή του κλασικού συμφωνικού μπαλέτου και μετέφερε το κέντρο της χορογραφικής κουλτούρας στη Ρωσία.

Ιστορία του μπαλέτου του 20ου αιώνα. χαρακτηρίζεται από τις διαδικασίες αφομοίωσης των παραδόσεων του ρωσικού κλασικού μπαλέτου με τις ευρωπαϊκές εταιρείες μπαλέτου. Οι κορυφαίες τάσεις είναι η μεταφορική, η χωρίς πλοκή, η συμφωνική, η ελεύθερη ρυθμική, ο μοντέρνος χορός, τα στοιχεία λαϊκού, καθημερινού, αθλητικού και τζαζ λεξιλογίου. Στο δεύτερο μισό του 20ου αιώνα. Αναπτύσσεται ο μεταμοντερνισμός, το οπλοστάσιο των εκφραστικών μέσων του οποίου περιλαμβάνει τη χρήση κινηματογραφικών και φωτογραφικών προβολών, εφέ φωτισμού και ήχου, ηλεκτρονικής μουσικής, χάπενινγκ (συμμετοχή θεατών στο μπαλέτο) κ.λπ. Έχει προκύψει ένα είδος χορογραφίας επαφής, όταν ο χορευτής «έρχεται σε επαφή» με αντικείμενα στη σκηνή και με την ίδια τη σκηνή. Το μονόπρακτο μπαλέτο μινιατούρας (διήγημα, μπαλέτο διάθεσης) κυριαρχεί. Οι χώρες με την πιο ανεπτυγμένη χορογραφική κουλτούρα ήταν η Μεγάλη Βρετανία, οι ΗΠΑ, η Γαλλία και η ΕΣΣΔ. Μεγάλος ρόλοςΧορευτές του δεύτερου κύματος της ρωσικής μετανάστευσης (R. Nureyev, N. Makarova, M. Baryshnikov) και χορευτές της ρωσικής σχολής που εργάστηκαν στη Δύση με συμβόλαιο (M. Plisetskaya, A. Asylmuratova (γ. 1961), N. Ο Ananiashvili έπαιξε ρόλο στην ανάπτυξη του παγκόσμιου μπαλέτου (γεν. 1963), ο V. Malakhov (γεν. 1968), ο A. Ratmansky (γεν. 1968) Το εξπρεσιονιστικό και στη συνέχεια το μεταμοντέρνο μπαλέτο αναπτύχθηκε στη Γερμανία, την Ολλανδία και τη Σουηδία.
Οι αγώνες μπαλέτου άρχισαν να διεξάγονται το 1964.
Παγκόσμιο μπαλέτο του 20ου αιώνα.

Η ιστορία του ρωσικού μπαλέτου ξεκινά το 1738. Το πρώτο ρωσικό μπαλέτο θεωρείται το Μπαλέτο του Ορφέα και της Ευρυδίκης (1673, μουσική G. Schutz, χορογράφος N. Lim, Comedy Khoromina στο χωριό Preobrazhenskoye της Μόσχας). Ήταν τότε, χάρη στο αίτημα του Γάλλου χοροδιδάσκαλου Jean-Baptiste Lande, που εμφανίστηκε η πρώτη σχολή τέχνης μπαλέτου στη Ρωσία - η παγκοσμίου φήμης πλέον Ακαδημία Χορού της Αγίας Πετρούπολης που πήρε το όνομά της από την Agrippina Yakovlevna Vaganova.
Οι ηγεμόνες του ρωσικού θρόνου πάντα νοιάζονταν για την ανάπτυξη της χορευτικής τέχνης. Ο Μιχαήλ Φεντόροβιτς ήταν ο πρώτος από τους Ρώσους τσάρους που εισήγαγε μια νέα θέση χορευτή στο επιτελείο της αυλής του. Ήταν ο Ivan Lodygin. Έπρεπε όχι μόνο να χορεύει ο ίδιος, αλλά και να διδάσκει αυτή την τέχνη σε άλλους. Είκοσι εννέα νεαροί τέθηκαν στη διάθεσή του.
Το πρώτο θέατρο εμφανίστηκε υπό τον Τσάρο Αλεξέι Μιχαήλοβιτς. Τότε συνηθιζόταν να προβάλλεται ένας σκηνικός χορός ανάμεσα στις πράξεις ενός έργου, που ονομαζόταν μπαλέτο. Αργότερα, με ειδικό διάταγμα του αυτοκράτορα Πέτρου του Μεγάλου, ο χορός έγινε αναπόσπαστο μέρος της εθιμοτυπίας της αυλής. Στη δεκαετία του '30 του δέκατου όγδοου αιώνα, οι ευγενείς νέοι ήταν υποχρεωμένοι να μάθουν χορό.
Ρωσικό μπαλέτο.

Ανάπτυξη του μπαλέτου στη Ρωσία.
Το 1759–1764 εργάστηκαν στη Ρωσία οι διάσημοι χορογράφοι F. Hilferding (1710–1768) και G. Angiolini (1731–1803), οι οποίοι ανέβασαν μπαλέτα βασισμένα σε μυθολογικά θέματα (Semira βασισμένη στην τραγωδία του A.P. Sumarokov, 1772). Την ημέρα των εγκαινίων του Θεάτρου Petrovsky, στις 30 Δεκεμβρίου 1780, ο Αυστριακός χορογράφος L. Paradise, που ήρθε στη Ρωσία με τον θίασο του Hilferding, ανέβασε το μπαλέτο παντομίμας The Magic Shop. Στη δεκαετία του 1780, οι χορογράφοι F. Morelli, P. Pinyuchi, J. Solomoni έφτασαν από την Ιταλία στη Ρωσία και στο τέλος του 18ου-19ου αιώνα. Ανέβασαν πολυτελείς διασκευές στο θέατρο Petrovsky, που παίζονταν ως προσθήκη στην όπερα ή το δράμα.

Το πιο σημαντικό γεγονός για το ρωσικό μπαλέτο.
Το πιο σημαντικό γεγονός για το ρωσικό μπαλέτο ήταν η άφιξη στη Ρωσία του εξέχοντος χορογράφου της προρομαντικής εποχής, S.L Didlo (εργάστηκε στην Αγία Πετρούπολη το 1800–1809, 1816–1829). Ανέβασε τα ανακρεοντικά μπαλέτα Ζέφυρος και Φλώρα (1808), Έρως και Ψυχή (1809), Άκης και Γαλάτεια (1816), καθώς και μπαλέτα με ιστορικά, κωμικά και καθημερινά θέματα: Η νεαρή τσίχλα (1817), Επιστροφή από την Ινδία ή το Ξύλινο Πόδι (1821 ). Ο Ντιντελότ έγινε ο ιδρυτής του είδους του Ανακρεοντικού μπαλέτου, που πήρε το όνομά του από τον αρχαίο ποιητή Ανακρέοντα, δημιουργό του είδους των ερωτικών στίχων. Η M.I Danilova (1793–1810), η E.A Teleshova (1804–1857) και ο A.S. Novitskaya (1790–1822) έγιναν διάσημοι. Υπό την ηγεσία του, η ρωσική σχολή μπαλέτου άρχισε να διαμορφώνεται. Το 1823 ανέβασε το The Prisoner of the Caucasus βασισμένο στο ποίημα του A.S. Pushkin και συνεργάστηκε με τον συνθέτη Κάβο. Ο A.I Istomina (1799–1848) έλαμψε στις παραστάσεις του, τον χορό του οποίου επαίνεσε ο Πούσκιν, περιγράφοντάς τον ως «μια πτήση γεμάτη ψυχή». Η τέχνη της Ιστομίνας προανήγγειλε την αρχή του ρωσικού ρομαντικού μπαλέτου και ενσάρκωσε την πρωτοτυπία της ρωσικής σχολής, εστιασμένη στη συναισθηματική εκφραστικότητα.

Έγκριση ρωσικού μπαλέτου.
Στο γύρισμα του 18ου–19ου αιώνα. Ήρθε η ώρα για την έγκριση του ρωσικού μπαλέτου. Εμφανίστηκαν οι εγχώριοι συνθέτες A.N.Titov, S.I.Davydov, K.A.Sholz, καθώς και ο πρώτος Ρώσος χορογράφος I.I. Συνδύασε τις παραδόσεις του ρωσικού λαϊκού χορού με τη δραματική παντομίμα και τη βιρτουόζικη τεχνική του ιταλικού μπαλέτου. Δουλεύοντας σύμφωνα με τον συναισθηματισμό, ο Walberch ανέβασε το πρώτο μπαλέτο με εθνικό θέμα - το μελόδραμα New Werther του Titov, 1799. Κατά τη διάρκεια του πολέμου του 1812, οι λαϊκές-πατριωτικές εκτροπές εξαπλώθηκαν και ο Walberch ανέβασε το μπαλέτο Love for the Fatherland of Kavos στο St. Πετρούπολη, που βασίστηκε στον ρωσικό λαϊκό χορό. Το 1812, το είδος της διαφοροποίησης γνώρισε άνοδο, χάρη στην οποία οι χορεύτριες A.I.

Η πιο διάσημη μπαλαρίνα του περασμένου αιώνα είναι η Άννα Πάβλοβα.
Γεννήθηκε στις 12 Φεβρουαρίου 1881 στο χωριό Ligovo κοντά στην Αγία Πετρούπολη, στην οικογένεια μιας μοδίστρας, της Lyubov Pavlova. Η ζωή της Άννας ήταν απόλυτα αφιερωμένη στο μπαλέτο. Αχ αυτή προσωπική ζωήτίποτα δεν ήταν γνωστό. Και μόνο μετά το θάνατο ο κόσμος έμαθε για την όμορφη και τραγική ιστορία αγάπης, το μυστικό της οποίας η θρυλική μπαλαρίνα κράτησε στην καρδιά της για τριάντα ολόκληρα χρόνια. Μια εξαιρετική ηθοποιός, η Πάβλοβα ήταν μια λυρική μπαλαρίνα, που ξεχώριζε για τη μουσικότητα και το ψυχολογικό της περιεχόμενο. Η Άννα Πάβλοβα είπε: «Μια μπαλαρίνα δεν χορεύει με τα πόδια της, αλλά με την ψυχή της». Η Πάβλοβα ήταν εξαιρετικά προληπτική. Παρατήρησε διακαώς σημάδια: φοβόταν τις καταιγίδες, τη συνάντηση με έναν ιερέα, τους άδειους κουβάδες, τις μαύρες γάτες. Αυτό που ήταν ασήμαντο για τους άλλους μετατράπηκε σε κάποιο ιδιαίτερο, μυστικό σημάδι για εκείνη.

Γονείς και παιδική ηλικία της Άννας Πάβλοβα.
Η μελλοντική μπαλαρίνα γεννήθηκε σχεδόν δύο μήνες νωρίτερα από το χρονοδιάγραμμα. Ήταν ένα παγωμένο πρωινό του Γενάρη του 1881, όταν ένα κορίτσι γεννήθηκε από μια φτωχή μοδίστρα που μερικές φορές έπλενε ρούχα στο πλάι. Το παιδί ήταν τόσο αδύναμο που ούτε οι γείτονες, που φασαριόζονταν γύρω από το κρεβάτι της νεαρής μητέρας, ούτε η γυναίκα που γεννούσε ήλπιζαν ότι το μωρό θα ζούσε. Ωστόσο, σε αντίθεση με τις ζοφερές προβλέψεις, το κορίτσι επέζησε. Βαπτίστηκε και ονομάστηκε Άννα προς τιμήν του αγίου, του οποίου η εορτή ήταν καταχωρημένη στο εκκλησιαστικό ημερολόγιο εκείνη την ημέρα. Η Άννα δεν θυμόταν τον πατέρα της. Ο Matvey Pavlov, ένας απλός στρατιώτης, πέθανε όταν η κόρη του ήταν μόλις δύο ετών, αφήνοντας πίσω του ούτε κληρονομιά, ούτε διαταγές, ούτε γενικό βαθμό.
Αν και ζούσαν σε συνεχή φτώχεια, ο Λιούμποφ Φεντόροβνα προσπάθησε
φωτίστε τα δύσκολα παιδικά χρόνια της αγαπημένης μου κόρης. Τις ονομαστικές εορτές και τα Χριστούγεννα, το κορίτσι έπαιρνε πάντα δώρα.

Πρώτη γνωριμία με το μπαλέτο.
όταν η Άννα έγινε οκτώ, η μητέρα της την πήγε στο θέατρο Μαριίνσκι για να δει το μπαλέτο Η Ωραία Κοιμωμένη. Έτσι, ο μελλοντικός χορευτής ερωτεύτηκε αυτή την τέχνη για πάντα και δύο χρόνια αργότερα το λεπτό και άρρωστο κορίτσι έγινε μαθητής στη Σχολή Imperial Ballet. Η είσοδος στην Αυτοκρατορική Σχολή Μπαλέτου είναι σαν να μπαίνεις σε μοναστήρι, τέτοια σιδερένια πειθαρχία βασίλευε εκεί. Η Άννα παράτησε το σχολείο όταν ήταν δεκαέξι ετών με τον τίτλο της πρώτης χορεύτριας.

Οι σπουδές της Πάβλοβα στο Imperial Ballet School.
Εκείνη την εποχή, αυτή η σχολή μπαλέτου της Αγίας Πετρούπολης ήταν αναμφίβολα η καλύτερη στον κόσμο. Η διδασκαλία εδώ ήταν εξαιρετική. Μόνο εδώ διατηρήθηκε ακόμη η τεχνική του κλασικού μπαλέτου.
Ο καταστατικός χάρτης του σχολείου ήταν μοναχικά αυστηρός. Σηκώνομαι στις οκτώ, λούζομαι με κρύο νερό, προσευχή, πρωινό και μετά οκτώ ώρες εξαντλητικών μαθημάτων στο μπαρ του μπαλέτου, που διακόπτονται μόνο από ένα δεύτερο πρωινό (καφές με κράκερ), μεσημεριανό γεύμα που δεν ικανοποίησε την πείνα και ένα καθημερινό ωριαία βόλτα στο καθαρός αέρας. Στις εννιά και μισή το βράδυ, οι μαθητές έπρεπε να είναι στα κρεβάτια τους.
Το 1898, ενώ ήταν μαθητής, η Πάβλοβα έπαιξε στο μπαλέτο "Two Stars", που ανέβασε ο Petipa. Ακόμη και τότε, οι ειδικοί σημείωσαν κάποιο είδος ιδιαίτερου, εγγενές μόνο στη χάρη της, μια εκπληκτική ικανότητα να συλλαμβάνει την ποιητική ουσία ενός μέρους και να του δίνει το δικό του χρώμα.

Αφού αποφοίτησε από το σχολείο το 1899, η Πάβλοβα γράφτηκε αμέσως στον θίασο του θεάτρου Μαριίνσκι. Το ταλέντο της κέρδισε γρήγορα αναγνώριση, έγινε σολίστ και το 1906 προήχθη στην υψηλότερη τάξη - πρίμα μπαλαρίνα. . Χόρεψε μέρη στα κλασικά μπαλέτα «The Nutcracker», «The Little Humpbacked Horse», «Raymonda», «La Bayadère», «Giselle». Το 1906 έγινε η κορυφαία χορεύτρια του θιάσου. Το ερμηνευτικό της στυλ επηρεάστηκε πολύ από τη συνεργασία της με τους χορογράφους A. Gorsky και ιδιαίτερα τον M. Fokin. Η Άννα Πάβλοβα ερμήνευσε τους βασικούς ρόλους στα μπαλέτα του M. Fokine «Chopiniana», «Pavilion of Armida», «Egyptian Nights» κ.λπ. Το 1907, σε φιλανθρωπική βραδιά στο θέατρο Mariinsky, η A. Pavlova παρουσίασε για πρώτη φορά τη χορογραφική μινιατούρα που ανέβασε γι' αυτήν ο M. Fokine « Swan» (αργότερα «The Dying Swan»), που αργότερα έγινε ένα από τα σύμβολα του ρωσικού μπαλέτου του εικοστού αιώνα. Αποτίοντας φόρο τιμής στην καινοτομία του Φόκιν, η Πάβλοβα συνέχισε να παραμένει αφοσιωμένη στα ρωσικά κλασικά μπαλέτα.
Θέατρο Μαριίνσκι.

Το 1909, ο Sergei Diaghilev, ένας ταλαντούχος δικηγόρος, ένας πλούσιος άνδρας με έντονο ενδιαφέρον για την τέχνη, αποφάσισε να ανοίξει μια σεζόν όπερας στο Παρίσι. Ο Ντάντρε σύστησε την Άννα στον Ντιαγκίλεφ. Για να συμμετάσχει στις «εποχές Diaghilev», η Άννα χρειαζόταν ακριβές τουαλέτες. Για τον Dandre, αυτή η περίσταση σήμαινε τεράστια έξοδα. Έκανε ό,τι του ζητούσαν, αλλά στο τέλος κατέληξε στη φυλακή. Όχι πολύ ευκίνητος σε τέτοια θέματα, ο Dandre δεν ήταν σε θέση να εξοφλήσει τα χρήματά του, επειδή δεν είχε τόσο μεγάλο χρηματικό ποσό όσο απαιτούνταν για να πληρώσει εγγύηση για την αποφυλάκισή του. Εξουθενωτικό δίκηδιήρκεσε περισσότερο από ένα χρόνο οι σύγχρονοι είπαν ότι το παθιασμένο ειδύλλιο έλαβε τέλος μαζί με τα χρήματα του προστάτη. Χωρίς να διαψεύσει τίποτα, η Πάβλοβα πήγε στο εξωτερικό με το θίασο του Ντιάγκιλεφ. Στο Παρίσι, αυτή και ο σύντροφός της Vaslav Nijinsky πέτυχαν αμέσως εκπληκτική επιτυχία. Ο Ντιαγκίλεφ πόνταρε τα πάντα σε αυτούς τους καλλιτέχνες. Διαπραγματευόταν όχι μόνο περιοδείες στην Ευρώπη, αλλά και στην Αμερική και την Αυστραλία, όταν συνέβη το απροσδόκητο: η Πάβλοβα «πρόδωσε» τον Ντιάγκιλεφ υπογράφοντας ένα προσοδοφόρο, αλλά πολύ σκληρό, στην πραγματικότητα σκλαβωτικό, συμβόλαιο με το διάσημο τότε θεατρικό πρακτορείο «Braff» στο Λονδίνο. . Με την υπογραφή αυτής της σύμβασης, η Άννα έλαβε προκαταβολή. Και κατέθεσε αμέσως αυτά τα χρήματα ως προκαταβολή που απαιτείται για την απελευθέρωση του Dandre από τη φυλακή.
Η πίστη του κύκνου.

Το μυστικό της ικανότητάς της.
Η πρώτη περιοδεία στην Ευρώπη έφερε στην Άννα Πάβλοβα πρωτοφανή επιτυχία. Το 1907 έκανε το ντεμπούτο της στη Στοκχόλμη. Μετά από μια από τις παραστάσεις, ένα πλήθος θεατών ακολούθησε σιωπηλά την άμαξα της Πάβλοβα μέχρι το ξενοδοχείο. Οι άνθρωποι δεν χειροκροτούσαν ούτε μιλούσαν, μη θέλοντας να διαταράξουν την ανάπαυση του καλλιτέχνη. Κανείς δεν έφυγε ακόμα και όταν η μπαλαρίνα εξαφανίστηκε στο ξενοδοχείο. Η Πάβλοβα μπερδεύτηκε τι να κάνει μέχρι που η υπηρέτρια της πρότεινε να βγει στο μπαλκόνι για να της πει ευχαριστώ. Η Άννα υποδέχτηκε με θύελλα χειροκροτήματα. Απλώς υποκλίθηκε. Και μετά όρμησε στο δωμάτιο, έβγαλε ένα καλάθι που δόθηκε εκείνο το βράδυ και άρχισε να πετάει λουλούδια στο πλήθος: τριαντάφυλλα, κρίνα, βιολέτες, πασχαλιές Μάλλον, το μυστικό της διαφοράς της Πάβλοβα από τους άλλους χορευτές που έλαμπαν στη σκηνή πριν και μετά βρισκόταν στη μοναδική της ατομικότητα ο χαρακτήρας της. Οι σύγχρονοι είπαν ότι, κοιτάζοντας την Πάβλοβα, είδαν όχι να χορεύουν, αλλά την ενσάρκωση του ονείρου τους να χορεύουν. Έμοιαζε αέρινη και απόκοσμη, πετώντας πάνω από τη σκηνή. Στην ομιλία της υπήρχε κάτι παιδικό, αγνό, που δεν συνάδει πραγματική ζωή. Κελαηδούσε σαν πουλί, κοκκίνιζε σαν παιδί, έκλαιγε και γελούσε εύκολα, μεταβαίνοντας αμέσως από το ένα στο άλλο. Πάντα έτσι ήταν, και στα 15 και στα 45. Και ερωτεύτηκε τόσο απλά και φυσικά όσο έζησε και χόρευε -μια για πάντα, αν και τίποτα δεν προμήνυε αίσιο τέλος στο ειδύλλιο.

Η πρώτη περιοδεία της Άννας Πάβλοβα στο εξωτερικό.
Από το 1908, η Άννα Πάβλοβα άρχισε να περιοδεύει στο εξωτερικό. Έτσι θυμήθηκε η Πάβλοβα την πρώτη της περιοδεία: «Το πρώτο ταξίδι ήταν στη Ρίγα. Από τη Ρίγα πήγαμε στο Χέλσινγκφορς, στην Κοπεγχάγη, στη Στοκχόλμη, στην Πράγα και στο Βερολίνο. Παντού οι περιοδείες μας χαιρετίστηκαν ως αποκαλύψεις νέας τέχνης. Πολλοί άνθρωποι φαντάζονται τη ζωή ενός χορευτή ως επιπόλαιη. Μάταια. Αν μια χορεύτρια δεν ελέγχει τον εαυτό της, δεν θα χορέψει για πολύ. Πρέπει να θυσιαστεί για την τέχνη της. Η ανταμοιβή της είναι ότι μερικές φορές καταφέρνει να κάνει τους ανθρώπους να ξεχάσουν για μια στιγμή τις λύπες και τις ανησυχίες τους Πήγα με ένα ρωσικό θίασο μπαλέτου στη Λειψία, την Πράγα και τη Βιέννη, χορέψαμε την υπέροχη «Λίμνη των Κύκνων» του Τσαϊκόφσκι.

Μπαλέτο "The Dying Swan".
Η χορογραφική μινιατούρα «The Dying Swan» σε μουσική του C. Saint-Saëns ανέβηκε για την Pavlova από τον χορογράφο Mikhail Fokin το 1907. Αυτή η μικρή σύνθεση έγινε ο κορυφαίος αριθμός της Anna Pavlova Η στολή για αυτό το μπαλέτο δημιουργήθηκε σύμφωνα με το σκίτσο του Bakst λευκό tutu διακοσμημένο με φτερά κύκνου, μπούστο στολισμένο με πούπουλα κύκνου, ένα μικρό καπάκι από φτερά κύκνου στο κεφάλι, μια ρουμπίνια καρφίτσα στο στήθος, που συμβολίζει μια σταγόνα αίματος από τον τραυματισμένο Κύκνο). Το έκανε, σύμφωνα με τους σύγχρονους, εντελώς υπερφυσικά. Μια δέσμη προβολέων κατέβηκε στη σκηνή, μεγάλη ή μικρή, και ακολουθούσε τον ερμηνευτή. Μια φιγούρα ντυμένη με πούπουλα κύκνου εμφανίστηκε στα παπούτσια πουέντ με την πλάτη στραμμένη στο κοινό. Έτρεξε με περίπλοκα ζιγκ-ζαγκ της θανατικής της αγωνίας και δεν κατέβασε τα παπούτσια της πουέντ μέχρι το τέλος της παράστασης. Οι δυνάμεις της αποδυναμώθηκαν, αποσύρθηκε από τη ζωή και την άφησε σε μια αθάνατη πόζα, απεικονίζοντας λυρικά τον όλεθρο, την παράδοση στον νικητή - θάνατο. Όταν ο Γάλλος συνθέτης Camille Saint-Saëns είδε τον χορό της Pavlova, ο μαέστρος μόλις ξέσπασε: «Κυρία, τώρα κατάλαβα τι υπέροχη μουσική έγραψα! Το "The Dying Swan" έγινε η εικόνα της ψυχής της Anna Pavlova και το "κύκνειο άσμα" της. Σε κάθε παράσταση, η Πάβλοβα αυτοσχεδίαζε και με τα χρόνια αυτή η εικόνα στην παράστασή της γινόταν όλο και πιο τραγική.

The Dying Swan (πρώτη φορά - 1907) Anna Pavlova -The Dying SwanPoster67 x 46

Anisfeld Boris Izrailevich Anna Pavlova. Dying SwanChicago (ΗΠΑ). 1930 Χαρτί σε χαρτόνι, ακουαρέλα, ασβέστη, παστέλ. 74,8 x 54,6 Στην κάτω δεξιά γωνία υπάρχει επιγραφή με μαύρο μολύβι “Boris Anisf... 1930 Μουσείο Θεάτρου και Μουσικής Τέχνης Αγίας Πετρούπολης”.

Ζιζέλ.
Φανταστικό μπαλέτο σε 2 πράξεις Μουσική A. Adam Libretto J. Saint-Georges, B. Gautier Χορογραφία J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa.
Χαρακτήρες:
Ζιζέλ, αγρότισσα. Μπέρτα, η μητέρα της. Ο πρίγκιπας Αλβέρτος μεταμφιεσμένος σε αγρότη. Δούκας της Κούρλαντ. Bathilda, η κόρη του, η αρραβωνιαστικιά του Albert. Ο Γουίλφριντ, ο πλοίαρχος του Άλμπερτ. Χανς, ο δασολόγος. Η Mirta, η ερωμένη των Willis, η Monna είναι φίλες της Mirta. Ακολουθία. Κυνηγοί. Χωρικοί, αγρότισσες. Willis.» «Ο Willis, σύμφωνα με τη γερμανική πίστη, είναι οι ψυχές των κοριτσιών που πέθαναν πριν από το γάμο τους.

Ένα χωριό στα βουνά, περιτριγυρισμένο από δάση και αμπέλια. Σε πρώτο πλάνο είναι το σπίτι της αγρότισσας Μπέρθα, μιας χήρας που ζει εδώ με την κόρη της, ο Κόμης Αλβέρτος, ερωτευμένος με την αγρότισσα Ζιζέλ, κρύβει τον τίτλο του. Ένας άλλος θαυμαστής της Ζιζέλ, ο δασολόγος Χανς, προσπαθεί να της εξηγήσει ότι ο Άλμπερτ δεν είναι αυτός που ισχυρίζεται ότι είναι, αλλά η Ζιζέλ δεν θέλει να τον ακούσει. Έχει την αίσθηση ότι η Ζιζέλ περιμένει ατυχία, διαβεβαιώνει με πάθος τη Ζιζέλ ότι είναι. πιο αφοσιωμένη φίλη από αυτόν, δεν μπορεί να το βρει. Από μακριά ακούγονται οι ήχοι από κυνηγετικά κέρατα, και σύντομα α μεγάλη ομάδακομψά ντυμένες κυρίες και κύριοι. Ανάμεσά τους ο δούκας του Κούρλαντ και η κόρη του Μπάθιλντα, η αρραβωνιαστικιά του Αλβέρτου. Ζεστοί και κουρασμένοι από το κυνήγι, θέλουν να ξεκουραστούν και να ανανεωθούν. Η Μπέρτα βουίζει γύρω από το τραπέζι, υποκλίνοντας βαθιά τους ευγενείς κυρίους. Η Ζιζέλ βγαίνει από το σπίτι. Η Bathilda είναι ενθουσιασμένη με την ομορφιά και τη γοητεία της Giselle. Η ίδια δεν παίρνει τα μάτια της από την Μπατίλντα, μελετώντας κάθε λεπτομέρεια της τουαλέτας της. Ο απλός είναι ιδιαίτερα εντυπωσιασμένος από το μακρύ τρένο της κόρης του Δούκα. Η Μπατίλντα γοητεύεται από τον αυθορμητισμό και την ομορφιά της Ζιζέλ και δίνει στο κορίτσι μια χρυσή αλυσίδα. Η Ζιζέλ χαίρεται και ντρέπεται από το δώρο. Ο πατέρας της Bathilda πηγαίνει στο σπίτι της Bertha για να ξεκουραστεί. Πάνε να ξεκουραστούν και οι κυνηγοί.
Πράξη πρώτη.

Πανευτυχής η Ζιζέλ χορεύει τον καλύτερό της χορό. Ο Άλμπερτ την ενώνει. Ξαφνικά ο Χανς τρέχει, τους παραμερίζει και, δείχνοντας τον Άλμπερτ, τον κατηγορεί για ανεντιμότητα. Όλοι εξοργίζονται με την αυθάδεια του δασάρχη. Έπειτα, για να επιβεβαιώσει τα λόγια του, ο Χανς δείχνει το όπλο του Άλμπερτ γεμάτο με πολύτιμους λίθους, το οποίο ανακάλυψε στο κυνηγετικό καταφύγιο όπου ο Άλμπερτ άλλαζε ρούχα. Η Ζιζέλ σοκάρεται και ζητά εξηγήσεις από τον Άλμπερτ. Προσπαθεί να την ηρεμήσει, αρπάζει το σπαθί του Χανς, το τραβάει και ορμάει στον δράστη. Ο Wilfried φτάνει εγκαίρως και σταματά τον αφέντη του για να αποτρέψει τη δολοφονία. Ο Χανς χτυπάει το κυνηγετικό κόρνα. Οι συμμετέχοντες στο κυνήγι, με επικεφαλής τον Δούκα και την Μπαθίλντα, φεύγουν από το σπίτι, θορυβημένοι από το απροσδόκητο σήμα. Βλέποντας τον Άλμπερτ με αγροτική ενδυμασία, εκφράζουν εξαιρετική έκπληξη. ντρέπεται και προσπαθεί να εξηγήσει κάτι η ακολουθία του Δούκα υποκλίνεται με τόσο σεβασμό στον Άλμπερτ και οι ευγενείς καλεσμένοι τον χαιρετούν τόσο εγκάρδια που η άτυχη κοπέλα δεν έχει καμία αμφιβολία: έχει εξαπατηθεί. Όταν ο Άλμπερτ πλησιάζει τη Μπατίλδη και της φιλάει το χέρι, η Ζιζέλ τρέχει προς το μέρος της και της λέει ότι ο Άλμπερτ της ορκίστηκε πίστη, ότι την αγαπά. Εξοργισμένη από τους ισχυρισμούς της Ζιζέλ, η Μπατίλντ της δείχνει τη βέρα της - είναι η αρραβωνιαστικιά του Άλμπερτ. Η Ζιζέλ σκίζει τη χρυσή αλυσίδα που της έδωσε η Μπατίλντα, την πετάει στο έδαφος και, κλαίγοντας, πέφτει στην αγκαλιά της μητέρας της. Όχι μόνο οι φίλοι και οι συγχωριανοί της Ζιζέλ, αλλά ακόμη και οι αυλικοί του Δούκα είναι γεμάτοι συμπάθεια για την άτυχη κοπέλα. Το μυαλό της είναι θολό. Πεθαίνει.
Συνέχεια της πρώτης πράξης δεύτερης.

Ο Άλμπερτ έρχεται στο νεκροταφείο, συνοδευόμενος από έναν παλαίμαχο. Ψάχνει τον τάφο της Ζιζέλ. Μάταια ο πλοίαρχος προειδοποιεί για πιθανό κίνδυνο ο Άλμπερτ μένει μόνος σε βαθιά σκέψη και θλίψη. Ξαφνικά παρατηρεί τη φιγούρα της Ζιζέλ. Χωρίς να πιστεύει στα μάτια του, ορμάει προς το μέρος της. Το όραμα εξαφανίζεται. Μετά εμφανίζεται ξανά και ξανά, σαν να λιώνει στον αέρα η θλίψη και η απελπισία του αγγίζουν τη Ζιζέλ. Συγχωρεί τον Άλμπερτ, τον διατάζει να χορέψει. Η Ζιζέλ ικετεύει τη Μύρθα να αφήσει τον Άλμπερτ να φύγει, αλλά οι Γουίλις πλησιάζουν τον τάφο της και εξαφανίζονται μέσα σε αυτόν. Εξουθενωμένος ο Άλμπερτ πέφτει στα πόδια της Μύρτας. Φωτίζει. Καθώς ο ήλιος ανατέλλει, οι Willis χάνουν τη δύναμή τους. Ο Άλμπερτ σώζεται. Η Ζιζέλ αποχαιρετά τον αγαπημένο της. Και τώρα για πάντα. Ο Άλμπερτ εγκαταλείπει τα τρομερά νυχτερινά του οράματα και επιστρέφει στην πραγματικότητα.
Συνέχεια της δεύτερης πράξης.

«Ρωσικές εποχές» του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ.
Το 1909, η Πάβλοβα έγινε ο κύριος συμμετέχων σε όλες τις «Ρωσικές Εποχές» του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ στο Παρίσι. Εδώ απέκτησε παγκόσμια φήμη. Χόρεψε στα μπαλέτα: "Pavilion of Armida", "La Sylphides" και "Cleopatra" - αυτά ήταν τα ονόματα των "Chopiniana" και "Egyptian Nights". Η Πάβλοβα έχει ήδη παρουσιάσει ολόκληρο αυτό το ρεπερτόριο στη Ρωσία. Στο πολυτελές σύνολο των μεγαλύτερων ερμηνευτικών ταλέντων που παρουσίασε ο Diaghilev στο Παρίσι, η Άννα κατέλαβε μια από τις πρώτες θέσεις. «Πάντα προσπαθούσα να ρίξω μια ευάερη κουβέρτα ποίησης πάνω από το χορό», είπε για τον εαυτό της. Η Θεϊκή Άννα έκανε πολλούς να ερωτευτούν το ρωσικό μπαλέτο, μπόρεσε να ενσαρκώσει σε αυτό τη διάσημη φόρμουλα Πούσκιν «γεμάτη ψυχή, ο Σεργκέι Ντιαγκίλεφ, ο οποίος άνοιξε το ρωσικό θέατρο μπαλέτου στη γαλλική πρωτεύουσα, προσκαλώντας την Πάβλοβα και τον Βάσλαβ Νεζίνσκι». , δεν υπολόγισε λάθος. Άρχισαν να μιλούν για το ρωσικό θέατρο, άνθρωποι από την υψηλή κοινωνία άρχισαν να το επισκέπτονται, κόσμος ήρθε από όλη την Ευρώπη για να δει τη Ρωσίδα μπαλαρίνα, το θέατρο προσκλήθηκε στην Αυστραλία και την Αμερική. Το μέλλον φαινόταν τόσο δελεαστικό και λαμπερό, αλλά η Πάβλοβα δεν έπαιξε για πολύ στο "Russian Seasons". Ήθελε δημιουργική ελευθερία.
Γραμματόσημο της Ρωσίας 2000. Sergei Diaghilev και ρωσικές εποχές.

ο θίασος της Πάβλοβα.
Με τον θίασο της η Πάβλοβα περιόδευσε με θριαμβευτική επιτυχία σε πολλές χώρες του κόσμου. Ήταν η πρώτη που άνοιξε το ρωσικό μπαλέτο στην Αμερική, όπου για πρώτη φορά άρχισαν να γίνονται παραστάσεις μπαλέτου σε πλήρη δυναμικότητα. Ο θίασος αποτελούνταν από Ρώσους χορογράφους και κυρίως Ρώσους χορευτές. Μαζί τους δημιούργησε νέες χορογραφικές μινιατούρες Οι περιοδείες της έγιναν τόσο στην Ασία όσο και στην Άπω Ανατολή. Κρυμμένο πίσω από λαμπρές ερμηνείες σκληρή δουλειά. Πάνω από 22 χρόνια ατελείωτων περιοδειών, η Πάβλοβα ταξίδεψε περισσότερα από μισό εκατομμύριο χιλιόμετρα με τρένο, σύμφωνα με χονδρικούς υπολογισμούς, έδωσε περίπου 9 χιλιάδες παραστάσεις. Ήταν πραγματικά σκληρή δουλειά. Υπήρξε μια περίοδος που ο Ιταλός μαέστρος Νινολίνι έφτιαχνε κατά μέσο όρο δύο χιλιάδες ζευγάρια παπούτσια μπαλέτου το χρόνο για την Άννα Πάβλοβα και μετά βίας τα χόρτανε. Η τελευταία περιοδεία της μπαλαρίνας στη Ρωσία πραγματοποιήθηκε στις 3 Ιουνίου 1914. Η μπαλαρίνα εμφανίστηκε στην Αγία Πετρούπολη Σπίτι του Λαού, στον σιδηροδρομικό σταθμό Pavlovsky, στο Mirror Theatre του Κήπου Ερμιτάζ της Μόσχας. Το ρεπερτόριο περιλάμβανε «The Dying Swan», «Bacchanalia» και άλλες μινιατούρες της. Δεν επέστρεψε ποτέ στην πατρίδα της. Αλλά η Πάβλοβα δεν ήταν αδιάφορη για την κατάσταση στη Ρωσία. Έστειλε δέματα στα δύσκολα μετεπαναστατικά χρόνια σε μαθητές της Σχολής Μπαλέτου της Αγίας Πετρούπολης, μεταφερμένα μεγάλα μετρητάστους πεινασμένους ανθρώπους της περιοχής του Βόλγα, οργάνωσαν φιλανθρωπικές παραστάσεις για να στηρίξουν τους άπορους στην πατρίδα τους.

Μνήμη της μεγάλης Ρωσίδας μπαλαρίνας.
Ο Βίκτορ Ντάντρε, έχοντας δημιουργήσει μια λέσχη θαυμαστών της διάσημης συζύγου του, ήθελε μόνο ένα πράγμα - έτσι ώστε η μεγάλη μπαλαρίνα του 20ου αιώνα να θυμάται για πολλά χρόνια. Δυστυχώς, ο σύλλογος δεν επιβίωσε για πολύ. Ωστόσο, το όνομα της Ρωσίδας μπαλαρίνας, της θρυλικής Άννα Πάβλοβα, μπήκε για πάντα στην ιστορία του παγκόσμιου μπαλέτου. Στην Ολλανδία, μια ειδική ποικιλία από τουλίπες εκτράφηκε προς τιμήν της - Anna Pavlova. Και στην Αυστραλία βρήκαν μια εξαιρετική λιχουδιά - ένα αέρινο επιδόρπιο από μαρέγκα, σαντιγί και άγρια ​​μούρα, που ονομάζεται Pavlova (με έμφαση στο γράμμα "o"). Η Πάβλοβα είναι μοναδική. Δεν είχε τίτλους υψηλού προφίλ, δεν άφησε ούτε οπαδούς ούτε σχολείο. Μετά τον θάνατό της, ο θίασος της διαλύθηκε και η περιουσία της πουλήθηκε. Καλλιτεχνικά και ντοκιμαντέρ(“Anna Pavlova”, 1983 και 1985). Ο Γάλλος χορογράφος R. Petit ανέβασε το μπαλέτο «My Pavlova» σε σύνθετη μουσική. Νούμερα από το ρεπερτόριό της χορεύουν κορυφαίες μπαλαρίνες του κόσμου.

http://www.krugosvet.ru/articles/62/1006291/1006291a1.htm
http://www.peoples.ru/art/theatre/ballet/pavlova/
http://persona.rin.ru/view/f/0/10023/pavlova-anna-pavlovna
Anna Pavlova στην Αυστραλία – 1926, 1929 Περιηγήσεις – υλικό που τηρεί η Εθνική Βιβλιοθήκη της Αυστραλίας
Εικόνες της Άννας Πάβλοβα - ψηφιοποιημένες και διατηρημένες από την Εθνική Βιβλιοθήκη της Αυστραλίας
Δημιουργικά αποσπάσματα από την Άννα Πάβλοβα (1881-1931)
Η Άνδρος στο Μπαλέτο
Ηρωίδα Λατρεία: Άννα Πάβλοβα, Ο Κύκνος
Εδαφος διά παιγνίδι γκολφ.